Ya dijo Vasari que el arte del diseño es el que está en el origen de todas las artes. Como origen a todas las artes, el arte del diseño es el más importante. Me aburre mirar obras emergidas de la minuciosidad y la seriedad de un empresario, porque no son las obras de un artista. Ahora no hay que esculpir con las proporciones del canon, la belleza de lo sublime, ni la rebeldía de la vanguardia. Tras la ruptura cubista del espacio y la llegada a la abstracción muchos críticos sin nuevos recursos se planteaban el final de las artes plásticas. Hoy los artistas no son revolucionarios, son ingenieros de la belleza y la buscan como único fin. ¿Es que nadie se ha dado cuenta de que la vanguardia deja de ser vanguardia cuando adquiere fama y difamación? Si un cuadro se vende por millones de dólares, ese cuadro, ya no es vanguardista, aunque algún día lo fuera. La vanguardia implica la incomprensión y la guerrilla contra las modas, pero hoy la moda es ser vanguardista. Muchos hay que siguen el cubismo en el siglo XXI, o que siguen la abstracción que ya no significan nada.

Es muy probable que muchos de esos artistas abstractos ni sepan dibujar, y más probable aún que no comprendan la finalidad de la abstracción que es la simple destrucción del arte, pues ellos mismo, se dicen artistas. Después del surrealismo, solo ha habido copistas de todo lo que se había hecho antes, pero muy buenos copistas.
Llegados a este punto, algún genio desprestigiado de su tiempo se queda en una burbuja. He visto muchos artífices de academia, buscando ser los primeros, y les he visto copiar una y otra vez a los maestros, y les he visto pintar y repintar una obra hasta que quede perfecta. A estos artífices les falta la inventiva aunque les sobre la técnica. Son aburridos. Los virtuosos de la belleza de mi época, tienen una inventiva asombrosa, pero además no conocen la técnica únicamente por el estudio, la tienen innata y les da =. Esto es lo que hace a un genio de mi época. El arte ya no es vanguardia, porque no es revoltoso. Es un juego, un puro entretenimiento en consonancia con la belleza que surge espontáneamente, por un impulso que lo hace necesario al artista. El arte moderno, no plasma de manera consciente ningún tipo de corriente externa al virtuoso que lo produce porque proviene de un impulso.
El arte de ahora no está pensado.
Ahora por encima de todo prima el Arte Boceto. El Arte boceto es rápido, instintivo que refleja el impulso del artista de manera completamente subjetiva, el arte Boceto no es publicidad. El Artista Boceto expresa, por medio de la belleza, su propia subjetividad en un momento dado.
Así al arte no se le puede provocar copiando movimientos anteriores, es necesario para el avance que las figuras del virtuoso ingeniero de la belleza sean el resultado de un aprendizaje de lo acontecido anteriormente, pero sobretodo, deben de ser una superación. Se consigue la belleza sin detalles. Se consigue la belleza sin imitación.
El máximo exponente del arte boceto es Ka, símbolo de la mentalidad de todos los artistas de nuestro tiempo, que a menudo, no se sienten artistas porque el arte, acabada la renovación, se ha quedado en manos de los eruditos y coleccionistas serios.

Articulo publicado en Revista Azay Art

La actualización de lo ancestral

La pintura de Barceló propone un retorno a las raíces ancestrales, a través de imágenes de animales, paisajes marinos, bodegones o retratos: símbolos de la relación del hombre con su entorno. Además estas imágenes se hacen muchas veces con materiales naturales como algunos retratos cuyos dientes se hacen con piedras y barbas con raíces.

La exposición de la Caixa Forum, reúne 180 obras desde 1982, asique podemos decir que no es una retrospectiva en la vida del artista, sino más bien una introspectiva, porque se trata de una estética expresionista abstracta, la obra es expresionista porque expresa unos sentimientos en concreto a través de la forma y el color, que no corresponden a la realidad y se modifican subjetivamente por impulsos interiores del artista. Y es abstracta porque mucha de su obra no tiene un motivo reconocible, incluso muchas de estas pinturas no tienen título, si bien es cierto, que pocas veces olvida por completo la figuración.

Es a través de la abstracción que se muestra más puramente su interior, y su visión de la sensación que los lugares le producen. Podemos hablar de un compendio de sensaciones, y no de uno de temas o historias. Su pintura, por lo general, no es en absoluto narrativa. Creo que es a cuento de esto que puede venir el nombre de la exposición: La soledad Organizadora es cómo podemos traducir el título. Es gracias a esta soledad introspectiva expresionista (no copia la realidad objetiva), que puede organizar su producción en ideas de diferentes momentos y viajes. Para que la obra sea más llamativa, porque lo que busca es el impacto, se la pone virgen, sin marco, sobre una pared de color neutro.

No ocurre esto sin embargo con sus esculturas, que podemos tachar de expresionistas, pero que no culminan en la abstracción completa, aunque a lo general siempre tienen el carácter siniestro que nos viene dado por la mentalidad del artista. Al utilizar una técnica muchas veces conjunta, no es aconsejable mirar la obra desde un punto de vista único y frontal, ésta se puede atrapar mediante visiones laterales que inciden sobre los claro-oscuros de la superficie.

El elefante de Barceló presenta la exposición colocado en la plaza ante el Museo, hecho en bronce y con la trompa hacia abajo es la obra que más nos llama la atención, ya no solo por su grandiosidad sino por su carácter surrealista: existen varios movimientos que nos chocan en él: por un lado, nos parece impensable que se pueda sostener únicamente por la trompa semejante estructura, por otro lado, el peso de un elefante nos da una sensación de estabilidad, de que su peso, no puede levantarse del suelo, y aún menos en esta posición. Sin embargo, Barceló lo desmaterializa. Por otro lado contradice por completo las leyes de la proporción y la gracia, propias de las esculturas clásicas. Lo hace parecer un globo volador, inherte y sin peso.

En la obra de Barceló se entremezclan todas las vanguardias en las obras que las comportan a todas. En el Elefante nos aparece una dimensión surrealista en la que aparece Lo Siniestro, en el sentido que da Freud a la palabra, en su artículo de 1919 El rostro familiar de lo siniestro (de no reconocer lo que debería de ser familiar). Reconocemos la escultura de un elefante, pero no nos resulta clara la relación entre la forma que percibimos y la que nuestra mente concibe.

Por otro lado, se aleja aún más de nuestro tiempo remitiéndose a las primeras vanguardias del siglo XX como fueron el cubismo o el expresionismo mismo en la medida que vuelve su mirada al ámbito de lo primitivo. Ésta cualidad de sus obras estará muy presente en otras, como son las correspondientes a los viajes a África, o la obra con el mismo título de la exposición “La solitude organisative”, donde aparece un gorila en su estudio como si fuera un autorretrato.

Él mismo bromea diciendo que en sus primeros años pinta sus lienzos a cuatro patas en el suelo, como un cuadrúpedo y ahora, él y ellos se encuentran cara a cara de pié. Como si ambos hubieran evolucionado. No es solo por este hecho de los animales que hay una vinculación al mundo de lo primitivo, sino también por la técnica, que muchas veces utiliza a parte de los colores, ramas, piedras u otros objetos propios de lo natural. Muy ilustrativo de esto es “Autoportrait aux branches 1996”, donde se representa a sí mismo con los rasgos muy simplificados como en las máscaras africanas e incas, y le salen ramas de la cabeza. Está identificándose con el sol.

El Dios primordial en las culturas primitivas desde los griegos, hasta los incas, pasando por los egipcios… Existe en su obra una relación con los elementos esenciales como son el fuego o el agua, admirando culturas no occidentalizadas, ni modernas, basadas en creencias naturales y en el poder de los elementos y de la propia naturaleza. Un ejemplo de esto es la multitud de obras marítimas que pinta, así como las que evocan el desierto.

Es un artista que escapa de la ciudad occidental y moderna para adentrarse en el bosque y en las tribus, ya no solo en teoría sino en la propia práctica, bien son conocidos sus viajes por África, que admira hasta el punto de comprarse allí una casa. Le podemos relacionar por esto con Gauguin y sus cuadros de Taitianas. “Me gusta la sensación que tengo allí (en áfrica), de no tener planes, de decidir cada día lo que voy a hacer… creo que esto es una buena limpieza psicológica”, dice Barceló.

Sabemos que además de Mali, pasa varios meses de Mayorca a París, por lo que podemos decir de él que es un nómada, al igual que muchas tribus primitivas. Bourriaud, que es un comisario francés, relaciona esta idea de éxodo con la modernidad, pero a mi gusto nada tienen que ver.

La modernidad está en las ciudades, y es en el campo donde las personas se visten con colores y pasean tranquilos y en harmonía con la naturaleza, como vemos en los cuadros, ya dijo Baudelaire que era sintomático de la conciencia decadente de la modernidad el vestir el atuendo negro. Lo que aquí se pinta es la naturaleza y la tranquilidad que el modo de vida que ella puede permitir. Ya no solo en el motivo que se pinta, porque no existe una narratividad propiamente dicha, pero existe esa idea de movimiento en cada una de las obras, tengo en la cabeza una que se llama “Escalada”.

“Terrible angustia de ver deteriorarse y degradarse el territorio de mi infancia”, esto es la esencia de su obra. Busca la convivencia con la naturaleza, un poco en la honda de Rousseau, que piensa que el hombre en la naturaleza era buena y fue corrompido por la sociedad. Ve que el hombre que vive en consonancia con la naturaleza es más bueno, porque no tiene voracidad de crecer por encima de otros. “La combinación de codicia y estupidez, ha dado en Mallorca, resultados catastróficos”. Parece que es el progreso en sí mismo el que destruye la humanidad de las personas que pueden vivir en armonía con la natura.

“Miro a mis homónimos un instante, y huyo horrorizado a mi taller, donde aún me esperan horrores más íntimos y terribles”. En sus obras se puede ver la angustia que posee en su interior a través de ese expresionismo opresivo que constituye su obra. Tal vez ese nomadismo, y recorrido por todas las vanguardias y estilos corresponda a una búsqueda de sí mismo, que por otro lado, parece no ir a terminar nunca.

A mí me llamó personalmente la atención una obra sobre el Louvre que se exponía que mostraba la galería que todos los que lo hemos visitado recordamos. El llamativo, como la sensación angustiosa se ampara de todo el lugar a través de nuevo del color y de las formas interiorizadas que representa el artista, las figuras por otro lado, parecen salidas de las hornacinas y los marcos y se da un aspecto fantasmagórico, e infinito, en el que la única traza del hombre son los motivos artísticos, me recuerda a la pintura metafísica de Giorgio de Quirico, por el ambiente silencioso e incómodo, y por la grandiosidad, hablamos de pintura metafísica cuando es una pintura onírica que va más allá del mundo físico y se adentra en el subconsciente, haciendo parecer al espectador que lo ve es normal, esto como he dicho es una constante en la obra de Barceló.

De nuevo aparece la idea de Freud de Lo Siniestro. En relación con esto, sabemos, que Barceló trabaja de noche, y esto es muy importante para algunas de sus obras que muestran los reflejos brillantes pero que abarcan poca superficie, de una vela o de la luna, estudia, como con el cambio de luz, objetos comunes pueden pasar por irreconocibles.

Los retratos tienen mucha relación en general, con el estilo de la secesión vienesa, especialmente con la obra del expresionista Kokoschka y con la Egon Shiele. Los retratos de sus amigos africanos incorporan materiales locales, como piedras o ramas. Es curioso, que el retrato de Bruno Bishofberger, lo hace de una manera ligeramente cubista, esto debe de ser por la tradición de los retratos cubistas de marchantes como el de Kahnweiller o Vollard.

Lo que está claro es que lo que hace al artista digno de admiración por nuestra parte, es esa manera que tiene de utilizar movimientos pictóricos diferentes y la facilidad que tiene para fusionarlos en su obra conformando un discurso estético muy bien construido.

Articulo publicado en Revista Azay Art

Ya Baudelaire, en “El pintor de la vida moderna” de 1863, en un capítulo, que titula “L’artiste, homme de monde, homme de foules et enfant” hace hincapié en la importancia para un artista de tener una visión del arte “no ultrajada” por ningún velo social o educativo. Constantin Guys, su “artista de la vida moderna”,  « eut l’audace de jeter sur une feuille blanche de l’encre et des couleurs, pour dire la vérité, il dessinait… comme un enfant ». Es esta ingenuidad suya, a la hora de dibujar, la que hace su modernidad. Explica que, al igual que los niños, se interesa por todas las cosas del mundo, no hay en él, ninguna que sea indigna de ser retratada para Monsieur Constantin Guys, (cómo ocurre en el cubismo “Son cosas simples, dice Kahnweiler, cosas que gustan a los cubistas.

Cosas de los que fueron los primeros en darse cuenta del valor, vasos, botellas…” ) y esto ocurre también gracias a esa visión ingenua de la realidad. “L’enfant voit tout en nouveauté, il est toujours ivre” nos cuenta el poeta. Una frase de este capítulo nos es crucial: « Toute pensée sublime est accompagnée d’une secousse nerveuse » (así define Baudelaire la inspiración). Al igual que Kahnweiler nos cuenta en el capítulo VII “Nuevas posibilidades: representación del movimiento. Ornamentación” hablando de la pintura abstracta, que al no tener ninguna forma reconocible, “No es pintura… sus obras sólo quieren ser decorativas… no fue el impulso artístico sino el afán de adorno el que las motivó… es ornamentación” Para que haya “pintura”, tiene que quedar al menos un ligero tinte figurativo, como ocurre en el cubismo, pero sin que se llegue a la abstracción según el escritor. La pintura debe de estar motivada por esa “secousse nerveuse” o impulso artístico: la necesidad impulsiva de crear, a partir de lo que se ve. Así concluye  Baudelaire que « Le génie, n’est que l’enfance retrouvée a volonté… c’est cette curiosité qu’il faut attribuer a l’œil… des enfants devant le nouveau quel qu’il soit ». El arte a partir de finales del XIX, ha pasado a ser arbitrario, ya no existe un criterio para decir si una obra es buena o no, lo que se propone aquí, es que una obra es digna de llamarse obra, cuando es impulsada por esa necesidad de creación. Sin embargo, Apollinaire, en “Los pintores cubistas” fue consciente de que los pintores cubistas establecían una relación con la realidad que debían de representar de manera muy diferente a los artistas tradicionales, pero que nunca pudieron regresar del todo a la manera del mirar inocente del pasado, pues ya habían conocido las obras anteriores a las de su tiempo y tenían una visión “manchada”.

Hacia 1906-1907, se fija el  inicio al periodo cubista con “Las señoritas de Avignon” de Picasso. A finales del XIX, en Paris, el arte ha tomado un rumbo diferente, desde los inicios de la “vanguardia” más primitiva: el Romanticismo con Delacroix. De cierta manera se ha querido cambiar el arte objetivo tradicionalista por el arte a través de la visión de su creador, mucho más subjetivo. Muchos artistas van a realzar la subjetividad, la simplificación de las figuras y la necesidad creadora cómo impulso artístico en sus obras. No obstante, estas nuevas corrientes, se escondían a menudo bajo una intención de objetividad, cómo el impresionismo, que se decía científico y por lo tanto más realista. Pero según mi parecer esto sólo era propaganda para un público que no acostumbrado al cambio, que rechaza estos nuevos movimientos “bizarres”. En estos momentos el cambio se estaba gestando, empezando por el color desde la época romántica.

El cubismo, va a surgir en ese mundo de revolución anti-académica que rechaza las reglas de la perspectiva matemática, las proporciones y el canon. Los artistas anteriores a Picasso y Braque, han abierto un camino nuevo en la pintura, que ha dejado de mirar por fin a la estética clasicista. Para proponer una alternativa, se ha mirado lo que les queda lejos, tanto en el tiempo cómo en el espacio: por un lado, el arte oriental, tanto lo árabe (por ejemplo Delacroix), cómo lo asiático, por ejemplo, las estampas de Okusai de la primera mitad del XIX que llegaron hasta Francia. Gauguin por su parte miró la Polinesia. Esta tendencia, se continuará en el siglo XX, Kandinsky, por ejemplo, según Pegg Weiss se interesó por las expresiones artísticas populares siberianas relacionadas con el Chamanismo. Por otro lado, también existe una relación de estos nuevos movimientos, con lo lejano en el tiempo, por ejemplo el mismo Gauguin ha sido muy relacionado con el arte egipcio, al igual que Seurat, por el estatismo de las figuras. Paralelamente aparece una arquitectura neogótica (considerada propia de una periodo oscuro gobernado por bárbaros, para la academia). También en arquitectura, por influencia de las pirámides, se da una nueva generación de edificios fúnebres “utópicos” basados en las formas geométricas, como por ejemplo el cenotafio a Newton de Boulée. William Blake, a finales del XVIII, se había alejado de las reglas de la academia y del renacimiento. Lo exótico va a ser el nuevo punto de partida del arte, que no busca más, que revolucionarse contra las reglas tradicionales. “La Beauté est dans le bizarre” dijo ya Baudelaire. De la misma manera, se van a ensalzar las ruinas cómo producto de belleza sublime, por ejemplo “El castillo de Hadleight” de 1829 de John Constable. El mismo término vanguardia, tiene una connotación guerrera de revuelta. Ahora con el cubismo se busca de nuevo un arte totalmente contrario a la “belleza” renacentista: tal vez se busca la belleza en lo desagradable (Las señoritas de Avignon), que también buscó Matisse en un principio por ejemplo con el cuadro de la Gitana. ¿Se busca el impacto en el público “Un pintor que no inquieta, que pretende?” nos pregunta Braque.”No podía pintar a una mujer en toda su belleza natural, no tenía la capacidad para hacerlo, nadie la tiene, de ahí la necesidad de pintar un nuevo tipo de belleza” Dice Picasso.

Si el periodo Helenístico, Roma, y todo su legado en el arte del renacimiento eran un avance en la mirada de la realidad, los cubistas van a buscar todo lo contrario. Se va a buscar una mirada nueva, una mirada primitiva. El arte de estos pintores que se oponen a la academia es un arte condicionado por elementos físicos: por un lado se da en el periodo final del ilusionismo, por otro lado, liberada de ser instrumento de propaganda, la pintura se hará mucho más libre: esto favorece la aparición del nuevo arte. El cubismo va a llevar este rechazo de lo tradicional al límite: si el renacimiento es una visión perfeccionada por reglas matemáticas, ilusionismo, y belleza (la cumbre del arte cómo una visión de quien es sabio), el cubismo es todo lo contrario, es una visión nueva, primitiva, la primera visión del mundo: es la visión de un niño. Podríamos decir que la mirada cubista del mundo, es más antigua (de un niño), que la mirada renacentista o Helenística: que es absolutamente nueva (la de un hombre mayor sabio), el cubismo remite a la mirada de los primitivos. “El arte está concebido para intranquilizar, la ciencia da seguridad” dice Braque.

RELACION ENTRE LA HISTORIA DEL ARTE Y LAS
EDADES HUMANAS:

“ No se trata de la forma “realista”, sino de un rígido esquema formal dotado de una fuerza primitiva de gran plasticidad”  Kahnweiler. Habla aquí de las máscaras africanas, pero igualmente podría estar hablando de cualquier obra cubista de cualquiera de los dos periodos en los que según él, se clasifican las obras: analítico y sintético.

En relación con el nuevo subjetivismo antiacadémico (del que ya se ha hablado), podemos decir que los niños cuando pintan, reproducen su propia mirada del entorno, muchas veces incomprensible para el que es ajeno a su propia persona. Parece ser, que un niño dibuja el mundo que ve con formas geométricas: el dibujo de una casa será un triángulo sobre un cuadrado, una persona un círculo por cabeza con líneas a modo de brazos y piernas y un rectángulo para el tronco… Es importante fijarse en que muchas veces plasman una realidad “absolutamente realista” ya que plasman el movimiento o incluso el sonido, esta característica la puedo relacionar con la introducción de letras de los cuadros cubistas, que dan una idea de sonido, posteriormente incrementada en los futuristas. Georges Henry Luquet (1876 a 1965) estudia la evolución del dibujo infantil, lo más importante de su teoría, es que explica que un niño siempre hace un dibujo “realista”, copia de su realidad. Y a pesar de que los garabatos parezcan no representar nada, para el niño se refieren a un elemento del mundo, al igual que los dibujos de los cubistas que llegan casi a la abstracción pero “siempre hay una experiencia visual cómo punto de partida” explica Kahnweiler hablando de Lèger (y por extensión de los demás cubistas, por ejemplo las casitas de L’estaque en Barque), incluso muchas veces los cubistas deben de recurrir a un título para que la obra sea relacionada con la realidad por el espectador pero la relación existe.
Esta simplificación geométrica en la manera de mirar, no es palpable únicamente en la visión de un niño, de la misma manera, un dibujante, a menudo comienza sus dibujos por bocetos geométricos (que definen una primera visión) que descomponen la figura en piezas básicas para calcular las proporciones, y luego completan la figura con detalles cada vez más claros que hacen la imagen más comprensible y elaborada.

Georges Henry Luquet* en « Le dessin enfantin » estudia en el dibujo de los niños, diferentes fases de ese “realismo infantil”. La primera es “Le réalisme fortuit”: explica que el niño traza líneas con las que descubre el uso del color y “lo bonito” que tiene. Luego puede asimilar esas líneas a algún objeto del exterior completándolas, es decir le añade patas por ejemplo a la estructura creada y se parece a un animal, por eso se llama “fortuito”. La segunda fase, “Le réalisme manqué”: se da cuando el niño, sabe a priori que es lo que va a representar pero encuentra muchos obstáculos a ello. Lo dibuja sin ningún tipo de detalles pues su  concentración se acaba rápidamente, es este el momento de reducción a formas geométricas. Finalmente, una tercera etapa, “Le réalisme intellectuel” es donde el niño aprende a ver los detalles, esta forma de representar los detalles se produce de manera diferente que en el adulto. El niño quiere reproducir ciertos detalles que no ve en el objeto, como queriendo abarcar todo tipo de puntos de vista, mientras que el adulto hace “une espèce de photo de la réalité”. Sin embargo el niño, reproduce lo que sabe, y no lo que ve, de ahí que se llame realismo intelectual: por ejemplo un niño representa peces en el mar, pero éstos en realidad no se ven, pues están bajo el agua. Esta multiplicidad de los puntos de vista es el elemento característico del cubismo en el cual desde un punto de vista, se abarcan superficies que no se deberían de ver por estar escondidas tras otras. En este periodo es muy característica la “perspectiva abatida”, muy usada también en la Edad Media, el último periodo antes del de “perfección” (Renacimiento, que relacionamos con la Edad adulta). El niño busca, que cada parte del dibujo sea vista desde el punto de vista más reconocible. Cómo es el caso en la casa que se muestra a la izquierda: “pinto las cosas como las pienso, no como las veo” dijo Picasso.

Después de ésta fase, se llega a la edad adulta, donde algunas personas consiguen ver la realidad de manera que llamamos “realista”, es decir, cómo una foto, se comprende la tridimensionalidad y se empieza a copiar la naturaleza a partir de un modelo visual y no mental, pero esto sólo se consigue por la práctica del dibujo (obsesión de las academias y del periodo renacentista). Esta elección por las academias de obligar a copiar “sin parar” del natural por el alumno, fue muy criticada porque se dijo, no dejaba libertad.
La época del Garabateo, puede ser asociada con la de la prehistoria, o con la época abstracta del XX, dando un carácter cíclico del arte: La muerte del arte de la que habló Hegel se puede concebir como la vuelta a la primera visión del mundo. Después de lo abstracto, el arte ya no puede evolucionar, porque no hay nada antes. Según él, el arte alcanzó su cumbre en época romana y luego volvió a degenerar. Para mí, alcanzó su cumbre en el renacimiento con el uso de la perspectiva. El arte abstracto, es un arte puramente mental, de descubrimiento, que refiere una realidad que aún no se sabe construir porque o no se observa voluntariamente, (siglo XX) o no se sabe observar aún (arte rupestre), como los niños al principio, es más bien un momento de descubrimiento de la plástica y el color antes de intentar imitar lo real. “Pura ornamentación”, así se refiere Kahnweiler al arte abstracto. Algunos motivos son reconocibles, otros, no son más que líneas o formas. Se prueban diferentes colores e instrumentos cómo esponjas o las mismas manos, así como los más diversos materiales, aerosoles, diferentes pinturas…y cualquier soporte es válido.

Es un arte mental, simbólico, los autores abstractos, cómo Miró o Kandinsky, recogieron estas enseñanzas. No se recoge una visión del mundo a través de lo reconocible sino a través de metáforas psíquicas o simplemente es pura voluntad de ornamentación. Hay que decir, que desde el fauvismo, todas las vanguardias del XX, han ido poco a poco “regresando a la infancia” pero no se puede retroceder más que con la aparición del arte abstracto, por eso tal vez, aún no se haya superado.

La segunda etapa que propone Luquet, la del “réalisme manqué”, es una etapa de simplificación en la que el niño dibuja con muy pocos detalles, y todo de manera geométrica: el cubismo, queriendo volver a la visión primitiva del arte recogió en un primer momento escenas de éste tipo: como los paisajes de Horta de Ebro de Picasso por ejemplo, a medida que el tiempo pasaba, su arte se fue complicando, pero cuando se dieron cuenta de que se habían desviado del camino de la simplificación se volvió a ésta, se dice que la forma se volvió a cerrar y los motivos volvieron a ser más claros que en la etapa analítica final, creo que Picasso supo que era lo que buscaba, pues no era el cubismo en sí, sino la vuelta a una mirada infantil y primitiva, pues acabó pintando en “estilo Picasso”, que sin llegar a la abstracción, lindaba casi con ella, (cómo el arte surrealista) habló muy poco del cubismo, pero habló mucho de la importancia del dibujo infantil para él, tal vez Kahnweiler se equivocó pensando que el cubismo era un fin en sí, porque era solamente un paso en la  búsqueda de la vuelta a lo primitivo “Tardé muy pocos años en pintar cómo un adulto pero tardé toda una vida en pintar cómo un niño” dice Picasso.

El cubismo (analítico) tiene una clara voluntad de destrucción de la pintura, se busca la visión infantil cómo destrucción de la visión adulta a la que se había llegado a través del arte renacentista tradicional. Las vanguardias anteriores no habían buscado la destrucción de manera tan contundente como el cubismo, pero a partir de éste, la destrucción de la pintura se hace mucho más veraz. El cubismo sintético puede parecer un paso atrás en la destrucción de la pintura porque es más realista pero un paso adelante en la mirada infantil, pues es más simple.  En su punto máximo de destrucción se llegará casi al arte abstracto.

Por otro lado este momento del arte infantil se relaciona mucho con el arte de las culturas primitivas que es muy geométrico cómo por ejemplo las africanas, y tal vez Picasso no quiso reconocer su relación con éste arte, pero en “Recuerdos íntimos”  escrito por la que era la novia de Picasso en época del cubismo Fernande Olivier, relata cómo en Agosto de 1911, cuando estaban en Ceret, Apolinaire trajo a Géry “que se había divertido, para demostrar que era fácil robar en el Louvre “llevándose”… diversas estatuillas y máscaras”  quien le regaló dos de esas estatuillas a Picasso. Por otro lado, cuenta también que en el estudio de la casa del Boulevard de Clichy “las paredes se llenan de tapicerías, de máscaras negras… creo que fue Matisse el primero en descubrir el valor artístico de las obras africanas…Picasso se convirtió en un fanático, estatuas, máscaras y fetiches de todas las regiones africanas se acumularon allí.”  Definitivamente “le réalisme manqué” se puede relacionar con las culturas primitivas, tanto las africanas, que son las que han llegado hasta Picasso, cómo las precolombinas, así como la Grecia arcaica del periodo llamado “geométrico”, en cubismo se correspondería con la etapa analítica del principio, pero no con la analítica final, ya empezamos a ver el cambio en los puntos de vista y la geometrización de las formas con muchos ángulos y pocos detalles pero la destrucción no es tan exagerada cómo al final de la etapa.

La tercera etapa, « le réalisme intellectuel », se corresponde con culturas más desarrolladas y momentos históricos más avanzados: como pueden ser la cultura egipcia, o en occidente la Edad Media. Las características de éste momento son la perspectiva abatida, como se ha dicho y los diferentes cambios de punto de vista: corresponde al momento “más avanzado” del cubismo, la segunda parte de la etapa analítica, cuando se hace más evidente el cambio en los puntos de vista.

Ahora es cuando se Picasso y Braque se dan cuenta de que la simplificación que estaban alcanzando en su propio periodo evoluciona y que se están volviendo a alejar de la “mirada naïf” que estaban logrando y empiezan a investigar de nuevo otras formas de simplificación cómo el “collage” o el “papier collé” para volver a “cerrar” la forma y volver al “réalisme Manqué”. Se puede decir que el cubismo, no logró la mirada más primitiva (lo abstracto), pero se acercó bastante.

Finalmente la época de madurez en la mirada de un hombre, puede corresponder con el periodo renacentista, porque en los periodos romano y helenístico, aún había cierto descontrol en la visión de la perspectiva que se subsana en el renacimiento, este “periodo” duraría hasta mediados del XIX, con la aparición de los “ismos”: es el periodo de la mirada sabia, de la academia.

Las vanguardias “paralelas” al cubismo, que son el Fauvismo y el Expresionismo alemán, intentaron también una mirada “primitiva”, (A Kandinsky le considero más avanzado por la abstracción), pero se ocuparon del color antes que de la forma. Al igual que los niños, usan el color de manera arbitraria y con grandes contrastes, de la misma manera, la forma se simplifica construida por grandes manchas de color y contornos muy marcados. “Fauvismo es donde hay rojo” dice Matisse.

Considero el arte surrealista (figurativo, porque el surrealista no-figurativo lo he estudiado junto al abstracto), cómo extensión del arte abstracto, el tema de la realidad interior es el mismo, sin embargo el arte surrealista en muchos casos está “bien construido”, es tal vez una superación del deseo de una visión primitiva, por el deseo de una visión interior, otra manera nueva de hacer, que no era la de la academia, ni la alternativa que las otras vanguardias habían propuesto desde principios del XX de la visión primitiva. En todo caso podría estar relacionado con el momento del “realismo intelectual” en el cual se copia el interior de la mente y no la realidad exterior. Esto supondría tal vez, que el arte volviera a tomar un camino evolutivo de la mirada a través de otra definición de la belleza más. En comparación al resto de vanguardias que han buscado la mirada primitiva cómo belleza alternativa a la belleza renacentista, el arte surrealista ha buscado la belleza     onírica.

Bibliografía:
Le peintre de la vie moderne. Œuvres Complètes  de Charles de Baudelaire. Ed. Robert Laffon S.A. 1980. Pag 793.
Estudios de arte contemporáneo I de Valeriano Bozal. Appolinaire y el cubismo” Pag. 72, ed. A. Machado Libros S.A. 2006.
Luquet, G-H. (1991) Le dessin enfantin. Delachaux et  Niestlé.
Anne Ganteführer-Trier El cubismo Taschen Bonn 2009.

Fernánde Olivier Recuerdos íntimos 1º ed. Octubre 1990. Parsifal ediciones.
Valeriano Bozal. Estudios de Arte contemporáneo Antonio Machado Libros SA 2006

Articulo publicado en Revista Niram Art

- ¿Monsieur, a que llama usted arte? Su cuadro no son más que unos goterones mal dispuestos sobre un lienzo estropeado y un tubo de pintura blanca echado a perder.

- Caballero, el lienzo no está estropeado, está maquillado, el blanco de los lienzos es ligeramente amarillo con lo que considero que se trata de un solo color. Las damas se maquillan con una ligera mejora de su color natural, a efectos visuales, esa mejora es mucho mayor que a efectos prácticos.

- Desde luego.

- Yo he hecho lo mismo con mi obra, he mutado ligeramente el color natural del lienzo, que era más bien de color hueso que de un blanco tan brillante como es ahora. La mejora es visible a simple vista.

- Solo por haber aclarado el color del lienzo ¿quiere vendérmelo por tanto dinero? ¿Cree que pintar un lienzo de un color cuesta la suma que me pide?

- No he aclarado el color del lienzo señor, este lienzo, que antes se encontraba desnudo, sin ningún color, ahora viste un frac, pues todos los colores del universo habitan su superficie, caballero, nunca va a ver usted, un cuadro con tantos colores.

- ¿Y qué me dice del motivo? Este lienzo no representa nada, solo veo el fondo de una obra fantasma.

- El cuadro representa lo que usted quiera. No seré yo quien obligue a su dueño a ver en él lo que yo quiera. Eso sería un acto despótico por mi parte.

- Pero maestro, los cuadros representan elementos de la realidad.

- La realidad no existe caballero, la realidad solo es una copia del paraíso, usted habla de una realidad que se está imaginando. ¿Quién sabe si yo y usted vemos las cosas de la misma manera? ¿Quien dice que el color que usted llama verde, no sea para mí el que usted llama azul, quien dice que podemos usted y yo contemplar el mundo de la misma manera? ¿Que veamos belleza en las mismas cosas o desprecio? ¿No se ha parado a pensar que puede que lo que usted desprecie a mi me parezca lo más atractivo y tentador?

- Preferiría comprar un cuadro que copiara la realidad que todos vemos, me parece más difícil de hacer y mucho más bonito.

- Señor, yo no soy un fotógrafo, yo no quiero enseñarle la realidad palpable, esa ya la ha visto usted demasiadas veces con sólo abrir la ventana. Yo le he ofrecido una infinidad de colores para que pueda usted moldearlos a su gusto. Mi cuadro no representa la copia de la realidad física. Al decir verdad, los sentidos pueden traicionarle, tanto a usted como a mí, y no quisiera arriesgar su estima con una mentira. Mi cuadro representa la realidad real. La realidad perfecta, la belleza suprema, que solo podemos ver cuando la imaginamos. Mi belleza ideal, caballero, no es la misma que la suya, por supuesto. Pero la belleza absoluta está dentro de nosotros y es la misma para todos porque es la Belleza. Le he dado todos los colores que existen para que sienta cómo es, no figura nada de la realidad porque la belleza no tiene forma señor. La belleza es belleza en sí. Cada una de las formas que usted toma por agradables tienen en mayor o menor grado (según le parezcan más o menos bellas) un parecido con La Belleza que usted imagina. Yo he pintado, para que el poseedor de la obra pueda acercarse un poco más a esa Belleza con mayúsculas. El cuadro no solo encierra todos los colores que hay, sino que también encierra todas las formas posibles: Al ser una mezcla de los colores se ve blanco, y al ser una mezcla de las formas pierde la suya propia. Este cuadro no podía disgustar a nadie pues cada uno ve en él, el paradigma de lo bello.

Mi arte es mucho más realista que los cuadros que usted está buscando hoy, no copia las copias sensoriales de la Belleza, que no son tan bellas porque están sujetas a las formas y modeladas para que el ojo humano las pueda concebir. Sino que copia la Belleza en sí. La única belleza real, la que todos sabemos, pero ninguno podemos alcanzar con los sentidos. Cuando ellos copian una copia, yo copio la realidad. Tal vez los otros pintores tengan más técnica, pero yo soy un pintor mental, mi arte se encuentra en la explicación.

El pintor quería sublimarse, alejarse todo lo posible de su lado sensorial para acercarse a la divinidad. Creía en la capacidad de los hombres de poder acercarse a la realidad absoluta, pero decía que ninguno de ellos quería verla. Primero las drogas, manejaron su espiritualidad de manera introspectiva. Mirar hacia dentro era acercarse a la Belleza. Expresarlo, era acercar la Belleza a los demás. Dejó de comer más que para sobrevivir, lo que tenía relación con su cuerpo ya no le parecía interesante. Se dañaba con dagas y puñales para aprender que el dolor no existe más que en la cárcel que es un cuerpo sensible. A menudo se le veía desnudo en invierno superando la prueba del frío. Su amor, era absolutamente ideal. Una mujer casada a la que no conocía era la musa de cada una de sus obras. Ella era lo que más se parecía a la contemplación de la belleza pura, porque era lo que más le gustaba. Durante 10 años se negó a conocerla, imaginar su perfección era mejor que conocer los estragos producidos por la vida, cómo la fatiga o el enfado. Él sabía que ella era el paso más cercano a la experiencia de la belleza, si no estuviera viva, su espíritu sería tan bello cómo su cuerpo, ninguno de los accidentes del mundo sensorial podría mutar su belleza. Se encerró en su casa durante años, pasó meses con los ojos cerrados intentando soñar con la realidad. Un día de verano, bajo el abrasador sol de medio día, una bala salió de un revolver impulsada por el gatillo, hirviendo, sin haber recorrido más que 2 cm, en unas décimas de segundo atravesó la piel, las venas, el cráneo y todo el producto de su locura se disipó dejando inerte en el suelo un putrefacto cadáver lleno de sangre.

Articulo publicado en Revista Niram Art